Une exposition intitulée « Kogei Crossroads » se tient au Seiko House Hall à Wako, Ginza. L'espace, bordé d'œuvres de quatre artisans actifs dans les domaines du verre, du kirigane, de la ferronnerie et de la laque, est rempli de l'énergie à laquelle chaque pièce parle. Nous livrerons des impressions de l'exposition, y compris des entretiens avec des artistes qui continuent de s'engager dans un travail créatif sincère avec leurs matériaux.

Des lignes douces de bleu et d'or colorant le verre blanc laiteux infiniment doux ──Part de Verre Satoshi Ishida──

Une masse blanc laiteux au toucher rafraîchissant mais chaleureux, une couleur quelque peu nostalgique. Lorsque vous tombez sur le travail de Satoshi Ishida, la première chose qui attire votre attention est sa douce couleur blanc laiteux. Une technique de verre appelée « pard de verre » a une sensation dure et transparente très différente de l'image traditionnelle du verre. On pense qu’il est originaire de l’ancienne Mésopotamie.

Le hako blanc laiteux est orné de lignes droites dorées ou bleues ou de courbes gracieuses, et le motif se détache plus vivement sur le fond blanc laiteux.

«Cette fois, en plus des formes familières des paniers en bambou et des récipients à encens, j'ai également essayé des pièces aux formes pointues et semblables à des objets que l'on ne retrouve pas souvent dans les pâts de verre traditionnels.

Je crois que l'artisanat est créé lorsque quelque chose qui était autrefois plat devient tridimensionnel et qu'un motif y est ajouté. J’ai donc beaucoup réfléchi à la façon de mettre des motifs dans ces polyèdres.

Aussi, à l'avenir, j'aimerais en apprendre davantage sur les « moules » de la poterie et utiliser ces connaissances dans ma pâte de verre.

Les lignes bleues et dorées, qui semblent être des lignes droites de même épaisseur, varient légèrement en épaisseur selon l'endroit où elles sont tracées et l'angle de la surface. Ces différences créent des expressions complexes à travers les polyèdres.

Ces dernières années, les œuvres d'Ishida présentent de plus en plus de lignes bleu cobalt brillantes.

"Chaque fois que j'ai du temps libre, je pars à l'étranger, notamment en Asie centrale et au Moyen-Orient. J'y découvre des ciels d'un bleu profond et les carreaux bleus que l'on retrouve souvent dans l'architecture islamique. J'ai peut-être été influencé par ces choses."

Les œuvres de M. Ishida ont longtemps été surnommées « pât de verre japonais » en raison de leur douceur. De ce point de vue « japonais », nous avons commencé notre voyage vers des sommets encore plus élevés.

Un univers charmant et infini créé par des feuilles d'or ultra-fines collées ──Kirikane Tomoko Eri──

Si vous ne vous approchez pas de l'œuvre et ne regardez pas attentivement, le motif peut parfois ressembler à une brume dorée. Cependant, si vous regardez attentivement, vous verrez un magnifique motif créé par des lignes dorées ultra fines.

Les lignes dorées sont découpées dans plusieurs couches de feuilles d'or à l'aide d'une épée en bambou et mesurent environ 0.1 mm d'épaisseur. Plus fin qu'un cheveu. Kirikane est un artisanat créé par le processus intimidant consistant à coller ces lignes avec un mélange adhésif de colle et d'algues en tissu.

La mère de Tomoko Eri, Sayoko Eri, était une éminente experte en kirigane qui était également reconnue comme détentrice d'importants biens culturels immatériels (Trésor national vivant).

Eri a grandi en regardant le travail de sa mère dès son plus jeune âge, et son travail porte naturellement des traces du travail de sa mère.

Mais cette exposition relève également un nouveau défi. Il s'agit d'une série d'œuvres appelées « Kirikane-絲綢 ».

« Aya » signifie soie. Si vous regardez attentivement la fine soie avec le kirigane appliqué des deux côtés, vous verrez que les motifs délicats du kirigane et la texture du tissu se combinent pour créer un monde unique différent des œuvres de kirigane précédentes appliquées au bois de paulownia.

``J'ai essayé d'encadrer une série de ``Kirikane 絲綢'' réalisés avec du kirigane sur soie, ainsi que des œuvres combinant alternativement de fins cylindres recouverts de kirigane et des tiges de verre. Cela dépend de la lumière, de l'angle de vue et du temps de vision. Son expression change à chaque instant. Puisqu'il est encadré, j'espère que vous pourrez l'accrocher à votre mur et profiter des changements chaque jour.

Le Kirikane est une technique de décoration des statues bouddhistes transmise depuis l'Antiquité, principalement à Kyoto. De nombreux artisans de Kyoto fabriquent également du bois pour les paniers en bambou et les boîtes à encens.

"Mes œuvres sont créées uniquement grâce aux merveilleuses compétences des artisans qui fabriquent le bois et les cadres. Je suis reconnaissant envers ces artisans chaque jour."

Parce que M. Eri continue de travailler méticuleusement chaque jour, il éprouve un profond sentiment de gratitude envers les artisans.

 Motifs mystérieux créés en coupant et en martelant à plusieurs reprises des métaux empilés ──Mokumegane Ryuhei Sago──

Bien qu'il soit fabriqué en métal dur, un paysage organique et complexe rappelant un motif de marbre décore toute la surface du vase et du coffret à encens aux formes audacieuses.

Les motifs mystérieux et magnifiques qui caractérisent les œuvres de la dernière saga Ryuhei sont créés à l'aide d'une technique appelée « Mokumegane ». Environ 25 à 35 plaques de métal, telles que de l'argent, du cuivre ou des alliages cuivre-or, sont empilées pour former une seule plaque, et le processus de découpe et de laminage est répété encore et encore.

En répétant ce processus, les couches de métal superposées apparaissent sur la même surface, créant une seule plaque métallique dans laquelle les couleurs uniques de chaque métal créent un motif marbré. En frappant et en pressant à nouveau la planche, la forme souhaitée est créée.

La technique « Mokume Gane », qui implique ces étapes, a été conçue durant la période Edo pour décorer la garde des épées. À première vue, cela ressemble à un motif accidentel créé par la nature, rappelant un changement de four, mais...

"C'est presque un motif calculé. En fonction des métaux superposés, dans quel ordre et de la manière dont ils sont sculptés et déroulés, nous pouvons presque prédire la tonalité de couleur et le motif qui en ressortiront.

Dans de nombreuses techniques décoratives, les décorations sont appliquées une fois le récipient façonné. Cependant, dans "Mokume Gane", le motif est créé en premier. De plus, en le rendant tridimensionnel en martelant le métal pour ajuster sa forme, le motif change d'expression et change encore. L'une des caractéristiques du Mokume Gane est que le processus de création du motif et la forme du récipient sont étroitement liés.

Chaque pièce semble être constituée d’une seule pièce de métal. Il ne semble pas que plus de 25 pièces de métal aient été empilées et déroulées encore et encore.

Des motifs mystérieux et des couleurs profondes rappellent l'entrée d'un labyrinthe. Si vous le regardez attentivement, vous aurez l'impression d'être entraîné dans un labyrinthe.

Des motifs maki-e délicats qui semblent se balancer sur des formes complexes ──Artiste laqueur Tomiya Murose──

Les artistes laqueurs se concentrent sur l'application de laque ou la décoration avec du maki-e ou de la nacre, et confient souvent le travail du bois à des menuisiers spécialisés. En effet, l’art de la laque nécessite d’innombrables étapes et du temps, et il faut se concentrer sur le travail de la laque.

Cependant, le travail de Tomiya Murose commence par un modelage à la laque sèche.

« Les œuvres d'Urushi sont influencées par leur tonalité de couleur, mais avant tout, elles affirment avec force leur existence en tant que forme.

Je veux d’abord faire attention à la forme et à la forme, car la forme attire mon attention. C'est dans cette optique que j'ai commencé par modeler avec de la laque sèche. La plupart des œuvres de cette exposition sont également sculptées à l'aide de laque sèche.

Comme le démontrent les propos de M. Murose, l'œuvre est dominée par une couleur brun noirâtre qui semble tout absorber, et même si elle est petite, elle a une forte présence.

De plus, les motifs appliqués avec le maki-e rendent sa présence encore plus distincte.

Le motif semble trembler. C'est une illusion d'optique, bien sûr, mais les motifs maki-e finement dispersés, ressemblant parfois à des gouttes d'eau, commencent à apparaître comme s'ils tremblaient.

« Je crois que tout change, même mes œuvres.

Par conséquent, plutôt qu’un motif continu avec un motif fixe, j’aimerais utiliser le maki-e pour créer un motif dispersé de manière aléatoire, et en faisant vaciller le motif, la pièce entière semblerait constamment changer. »

Bien que son père soit Kazumi Murose, détenteur d'un bien culturel immatériel important (trésor national vivant) dans l'art de la laque, il n'a pas poursuivi une carrière dans l'artisanat dès son plus jeune âge, mais est entré à l'Institut de formation en art de la laque Wajima après avoir obtenu son diplôme universitaire. M. Murose a emprunté un chemin unique en apprenant la laque à partir des bases.

Actuellement, le père et le fils sont impliqués dans des travaux réguliers tels que la restauration de biens culturels. D’un autre côté, le défi de créer des formes et des motifs uniques continue.

Quatre personnalités qui se croisent. Le respect mutuel et l’énergie mutuelle créeront l’avenir de l’artisanat.

Un fil conducteur traverse les œuvres de ces quatre artistes, qui utilisent des matériaux et des méthodes différents. C'est une passion pour la façon d'infuser les sensibilités modernes et l'individualité en tant qu'artiste dans les techniques traditionnelles transmises, et un effort constant pour faire de cela une réalité.

Cet enthousiasme et cet effort sont devenus une grande source d’énergie, remplissant le lieu d’une présence rafraîchissante.

Lors d'une pause entre le chargement de leurs œuvres et leur exposition, les quatre artistes ont parlé de leur passion pour leur travail. Dans le même temps, ils regardaient également avec impatience les œuvres d’autres artistes et étaient parfois vus engager de profondes discussions les uns avec les autres. C’était une scène merveilleuse de quatre personnalités croisées se respectant et essayant de s’améliorer mutuellement.

◆Journal d'exploration artistique ~ Informations sur l'exposition

Kogei Crossroads ─Passé, présent et futur─

Date : 2024 novembre 11 (jeudi) - 28 décembre 2024 (dimanche)

Horaires : de 11h00 à 19h00 jusqu'à 17h00 le dernier jour