L’exposition « Verre et Céramique : Une exposition collective de cinq artistes – Jouer dans le silence » se tient à la salle Seiko House, au 6e étage de la Seiko House. Le terme « silencieux » évoque l’immobilité. Des vases adorables qui donnent envie de les toucher, des vases qui dégagent une tension digne, des couleurs mystérieuses qui se déploient dans un monde miniature… Les œuvres des cinq artistes semblent se tenir immobiles, mais derrière ce silence se cache une beauté gracieuse, fruit d’une technique irréprochable.

Au-delà du cube de verre, se déploie un paysage onirique, empreint de nostalgie. —Jun Matsumura—

Je baisse les yeux et observe du coin de l'œil. Quelque chose apparaît. Une chaîne de montagnes lointaine, la lune flottant dans le ciel nocturne, le ciel avant l'aube, ou parfois simplement une légère superposition de couleurs. Un paysage onirique et pourtant étrangement familier, qui évoque un sentiment de nostalgie et de mélancolie.

« Un paysage unique ». Toutes les œuvres de Jun Matsumura partagent ce titre commun, et chacune reçoit en outre un nom individuel qui évoque le paysage qu'elle représente, comme « Avant l'aube » ou « La lune persistante dans la brume matinale ».

De fines feuilles de verre sont colorées, puis plusieurs d'entre elles sont collées ensemble.

Les œuvres de Matsumura utilisent une technique généralement appelée « verre feuilleté », qui consiste à coller et superposer plusieurs feuilles de verre, du même type que celles utilisées pour les fenêtres. Chaque feuille de verre a une épaisseur comprise entre 2 et 10 mm. En coloriant chaque feuille aux crayons de couleur, puis en les assemblant par collage, Matsumura crée des scènes à la fois nostalgiques et mystérieuses. Si la technique de la superposition de verre existe depuis un certain temps, la coloration de chaque feuille aux crayons de couleur est une méthode inventée par Matsumura.

« Au début, il a fallu beaucoup d'essais et d'erreurs pour déterminer les couleurs à utiliser et comment les superposer afin de créer un paysage particulier. Maintenant, je commence à maîtriser la technique, mais les ajustements précis sont difficiles car le degré d'irrégularité créé sur la surface de chaque morceau de verre avec une meule diamantée avant la coloration, et les subtiles variations de teinte et de transparence avant et après collage, représentent tous un défi. »

« J’adore les couleurs changeantes du ciel, et je veux les capturer dans mes œuvres. »

Les œuvres représentent principalement des scènes d'aube et de matinée, et la palette de couleurs est à prédominance bleue, incluant l'indigo, le bleu et le bleu clair.

« Je me lève souvent tôt le matin pour travailler sur mes œuvres. J'aime observer le ciel nocturne, d'un noir d'encre, s'éclaircir progressivement, passant du bleu profond à l'indigo, puis au bleu, avant que les teintes orangées et pourpres du lever du soleil ne commencent à s'y mêler. Je souhaite capturer cette palette de couleurs changeante dans mon travail. De plus, j'ai des souvenirs très précis de magnifiques paysages que j'ai contemplés par le passé. Je veux faire revivre ces paysages à travers mon art. »

Chaque pièce est petite, la plus petite étant un cube d'environ 3.5 cm de côté. Dans ce minuscule espace, se déploient des paysages d'une profondeur et d'une perspective mystérieuses. De plus, au sein de cette profondeur énigmatique, flottent doucement de nombreuses histoires. Peut-être s'agit-il de paysages oniriques empreints de nostalgie.

« Réfléchir au type de paysage que je vais peindre est à la fois agréable et stimulant. Ajuster l'épaisseur des traits que je trace aux crayons de couleur est également difficile. Mon travail a tendance à comporter beaucoup de tons bleus, mais à l'avenir, j'aimerais aussi utiliser des couleurs plus vives comme le rose et le jaune. »

Les « pétales » imbriqués qui demeureront à jamais dans nos cœurs

« Hitohira » est un mot qui désigne quelque chose de petit, de fin et de plat, comme un pétale de fleur ou une feuille. Il évoque aussi la notion de disparition progressive. Les œuvres de Matsumura, réalisées par superposition de fines couches de verre, sont en effet composées de nombreux « hitohira ». Pourtant, les paysages qu'elles évoquent resteront à jamais gravés dans nos cœurs.

La « force intérieure » qui émane de ses œuvres — Kiyoko Morioka —

« C'est une force qui vient de l'intérieur. »

Voici les mots de Kiyoko Morioka lorsqu'on l'interroge sur l'aspect le plus important de son travail de potière : « Qu'est-ce que la force intérieure… ? »

« C’est peut-être la puissance, la tension, qui émane de la forme même de l’œuvre. Quelle que soit sa taille, c’est une forme imprégnée d’une tension palpable. »

Les œuvres de Morioka sont créées grâce à une manipulation experte du tour de potier. Né à Kanazawa, Morioka a étudié dès son plus jeune âge à l'Académie nationale des beaux-arts du Danemark. C'est là qu'il a découvert la poterie et, de retour au Japon, il a travaillé comme potier dans un atelier local, apprenant en profondeur les techniques du tour.

Selon M. Morioka, la rapidité est cruciale pour la finition des poteries au tour de potier.

« Il faut travailler l'argile tant qu'elle est encore "vivante". Si on ne la façonne pas pendant qu'elle conserve sa résilience, elle perdra de sa force avec le temps et on ne pourra pas révéler tout son potentiel. L'argile façonnée lorsqu'elle est encore résiliente conserve sa force même après cuisson. »

Pour obtenir la forme envisagée, la polir sans relâche et d'une seule traite.

La technique très précise qui consiste à façonner l'argile avec rapidité et assurance pour lui donner la forme souhaitée est ce qui confère aux œuvres de Morioka leur « force intérieure ». Pour une pièce intitulée « Nuage transparent », d'environ 30 cm de haut, le temps passé au tour de potier est de 15 minutes.

L'ouverture supérieure est étonnamment petite par rapport à la forme du récipient. Pourtant, elle procure une agréable sensation de libération, comme si une tension accumulée se dissipait. Cette subtile combinaison de tension et de détente est l'une des marques de fabrique de l'œuvre de Morioka.

La tension du tour de potier et la douceur de la texture et des couleurs de la porcelaine.

Les pièces sont cuites à haute température sans émail, puis leur surface en porcelaine est finie par limage. L'absence d'émail leur confère un toucher doux et délicat. Leur blanc mat évoque une douceur indéniable. Outre des pièces uniques comme des vases, Morioka crée également des objets du quotidien tels que des services à thé, des théières et des tasses, qui rencontrent un vif succès. La tension exercée par le tour de potier et la douceur de la surface et des nuances de la porcelaine expliquent sans doute leur popularité.

Un nuage pâle, couleur d'encre, dérive alentour.

Bien que le blanc mat soit le thème dominant dans l'œuvre de Morioka, il crée également des pièces où de légers nuages ​​couleur encre s'insinuent subtilement dans le monde du blanc.

« Techniquement parlant, c'est une méthode appelée « cuisson par carbonisation ». La pièce est placée dans un récipient cylindrique résistant à la chaleur, appelé saya, avec des balles de riz, puis cuite. L'intensité de l'encre claire et son point d'impact sur la pièce varient en fonction de la température de cuisson et de la quantité de balles de riz. Je maîtrise assez bien le procédé, mais le plus intéressant, c'est que je ne connais le résultat final qu'une fois la pièce sortie du saya. »

Fierté d'un potier

Le paysage, qui ressemble à un lavis d'encre clair, apparaît aussi sous forme d'ombres qui changent selon la façon dont la lumière le frappe, et ce paysage devient un vêtement fin qui recouvre délicatement la « puissance intérieure » que possède le réceptacle.

« Pour l'instant, j'accorde une grande importance à la tension et à la concentration lorsque je travaille au tour de potier, mais en vieillissant un peu, j'aimerais peut-être essayer un tournage plus libre. Je pense que tourner de manière plus libre sera difficile à sa façon. »

À en croire Morioka, on pouvait ressentir la fierté qu'il éprouve en tant que potier, une fierté née du temps incommensurable qu'il a passé à faire tourner le tour de potier et à travailler l'argile.

Délicates fleurs sauvages peintes sur verre — par Mikiko Nakano —

Les fleurs délicates épanouies et les feuilles si translucides qu'on peut en voir les nervures — les herbes d'automne rappellent une peinture de l'école Rinpa.

Les vases en verre de Mikiko Nakano sont ornés de représentations de plantes qui embellissent les montagnes et les champs du Japon. Leurs lignes sont d'une incroyable finesse, et pourtant leurs couleurs fraîches et éclatantes attirent immédiatement le regard.

« J’ai commencé par la peinture à l’huile, puis, pendant mes études de gravure sur cuivre dans une école spécialisée en Italie, j’ai commencé à travailler dans la fabrication de vitraux. C’est ainsi que j’ai découvert le verre. Le vitrail italien ne se limite pas à l’assemblage de morceaux de verre ; il intègre également de nombreuses peintures, comme des images religieuses et des représentations de fruits. J’y ai donc appris la peinture sur verre. Parallèlement, je me suis intéressée au verre lui-même et je me suis inscrite dans une école de verrerie pour apprendre le soufflage de verre. J’y ai découvert la joie de créer de la vaisselle du quotidien. »

Le verre est soufflé après l'application de la peinture.

De la peinture à la gravure sur cuivre, puis au vitrail et à la peinture sur verre, et enfin au verre soufflé, le parcours artistique de Nakano se condense dans ses œuvres. Mais ce parcours n'est pas la seule source d'inspiration de son travail. En effet, sa grand-mère et sa mère étaient expertes dans la cérémonie du thé, et Nakano elle-même baigne dans cet univers depuis son enfance. L'essence même de son art, profondément ancrée dans la culture japonaise, est profondément influencée par ces expériences.

La peinture utilisée pour la décoration est un émail réfractaire capable de résister à des températures avoisinant les 1 000 degrés Celsius. Apparemment, la technique de la peinture sur verre n’est pas totalement nouvelle au Japon, mais les pionniers étaient peu nombreux, et Nakano explique : « Ce fut un processus continu d’essais et d’erreurs. »

Par un processus continu d'essais et d'erreurs, Nakano a développé une technique unique qui lui est propre. On peut la constater en observant attentivement les plantes qu'il a peintes. Les lignes des fines tiges et des feuilles délicates ondulent subtilement et semblent légèrement bombées. Ces ondulations et ce relief sont obtenus en soufflant le verre après la réalisation de la peinture.

Les fleurs et les plantes se mettent à onduler et à gonfler lorsqu'on souffle dessus.

« J'aime autant la peinture que le soufflage de verre, mais la peinture prend nettement plus de temps. Il arrive parfois qu'une pièce sur laquelle j'ai passé beaucoup de temps se casse à cause d'une erreur lors du soufflage. C'est toujours très triste. Je la façonne d'abord à peu près à la taille d'un œuf, puis je la peins et je la souffle à nouveau, ce qui provoque la dilatation du verre et donne un aspect différent de celui que j'avais imaginé. C'est ce qui est intéressant. »

Ces pièces, intitulées « Verres », sont composées de deux couches : du verre transparent à l’intérieur et du verre blanc laiteux à l’extérieur. Ce dernier est orné de gravures, ce qui donne à une même plante un aspect différent selon qu’on la regarde dedans ou dehors. C’est là tout leur charme.

Une légère et délicate distorsion qui rappelle les bols à thé Oribe.

Imaginez préparer un thé matcha léger dans ce bol. C'est le genre de scène que vous aurez envie d'imaginer avec le bol en verre « Hortensia des montagnes ». Le vert du thé matcha se reflète dans le verre transparent, et l'hortensia des montagnes l'orne. Le résultat est assurément magnifique. Ce bol n'est pas parfaitement rond ; son bord, appelé « kuchizukuri », est légèrement irrégulier. Cette irrégularité rappelle celle des bols à thé en faïence d'Oribe.

Lors de leurs études en Occident, où l'on a tendance à privilégier une beauté uniforme et ordonnée, les plantes et les fleurs de Nakano, parfois ondulantes, parfois déformées, témoignent sans aucun doute du sens esthétique cher au Japon.

Outre les trois artistes que nous avons interviewés, les deux personnes suivantes exposent également leurs œuvres dans cette exposition.

Yuko Watanabe, Mayumi Hamano

◆Journal d'exploration artistique ~ Informations sur l'exposition

Verre et céramique : une exposition à cinq – Jouer en silence

Date : jeudi 2026 janvier 7 - dimanche 2 janvier 2026

Horaires : de 11h00 à 19h00 jusqu'à 17h00 le dernier jour