“玻璃与陶瓷：五人联展——静谧游戏”正在精工大厦六楼的精工大厦大厅举行。“静谧”意味着静止。令人爱不释手的可爱器皿，散发着庄重而又略带张力的器皿，在微缩世界中弥漫的神秘色彩……五位艺术家的作品看似静谧，却蕴含着精湛技艺支撑的优雅之美。
透过玻璃立方体，一幅梦幻般却又带着一丝怀旧气息的景象徐徐展开。——松村纯——
我垂下目光，侧目望去。眼前出现了一些东西。也许是远处连绵的山脉，也许是夜空中悬挂的明月，也许是黎明前的天空，有时也只是淡淡的色彩层叠。这是一幅梦幻般却又似曾相识的景象，唤起我心中的怀旧和向往。
“单一风景。”松村纯的所有作品都以这个共同的标题为名，每幅作品还被赋予一个能够唤起人们对所描绘风景的联想的独特名称，例如“黎明之前”或“晨雾中的残月”。
薄玻璃片被涂上颜色，然后将几片玻璃片粘在一起。
松村的作品运用了一种通常被称为“夹层玻璃”的技术，即将多层玻璃（与窗户所用的玻璃相同）粘合在一起。每层玻璃的厚度在2毫米到10毫米之间。通过用彩色铅笔为每层玻璃着色，然后用胶水将几层玻璃粘合在一起，便呈现出充满怀旧和神秘感的画面。虽然玻璃叠层技术由来已久，但用彩色铅笔为每层玻璃着色却是松村独创的方法。
《夜风吹拂下的单幅风景》 3.3 x 17 x 10 厘米（高）
“起初，我反复尝试，才弄明白该用什么颜色，以及如何将它们分层叠加以创造出特定的景观。现在我开始掌握诀窍了，但微调仍然很困难，因为在着色之前，用金刚石轮在每块玻璃表面制造出的不均匀程度，以及粘合前后色调和透明度的细微变化，都极具挑战性。”
“我喜欢天空变幻莫测的色彩，我想在我的艺术作品中捕捉到这种色彩。”
这些作品主要描绘黎明和清晨的场景，色彩以蓝色为主，包括靛蓝、蓝和浅蓝。
“我经常清晨早起创作。我喜欢看着漆黑的夜空逐渐亮起，从深蓝变为靛蓝，再变为蓝色，然后日出的橙色和深红色开始交织。我想在我的作品中捕捉到这种不断变化的色彩。此外，我对过去见过的美丽风景记忆犹新。我想通过我的艺术重现那些美丽的景色。”
每一块都很小，最小的是一个边长约3.5厘米的立方体。在这小小的空间里，展开了一幅幅充满神秘感和透视感的风景。更令人称奇的是，在那神秘的深处，无数的故事缓缓流淌。或许，它们是梦中那些令人怀念的风景。
从右至左：《一景——微风拂面》、《一景——黎明之前》、《一景——波光粼粼的水面》、《一景——晨雾中的残月》。这四幅作品尺寸均为 3.5 x 3.5 x 3.5 厘米。
“思考要画什么样的风景既有趣又具有挑战性。调整彩色铅笔线条的粗细也很困难。我的作品往往以蓝色调为主，但未来我也想尝试使用更明亮的颜色，比如粉色和黄色。”
那些重叠的“花瓣”，将永远留在我们心中
“Hitohira”一词指的是细小、轻薄、扁平的事物，例如花瓣或叶片。它也蕴含着事物若隐若现、逐渐消失的意味。松村的作品，以层层薄玻璃构成，的确是由无数的“hitohira”组成。然而，它们所唤起的风景却将永远留在我们心中。
她作品中散发出的“内在力量”——森冈清子——
“这是一种来自内部的力量。”
这是森冈清子被问及陶艺创作中最重要的方面时所说的话。什么是内在力量……？
“或许是艺术作品本身的形式所散发出的力量和张力。无论作品尺寸大小，其形式都蕴含着一种紧绷的张力感。”
森冈的作品是通过巧妙操控旋转的陶轮创作而成。他出生于金泽，年少时便前往丹麦国立美术学院学习。在那里，他接触到了陶艺，回国后便在当地窑厂当陶工，潜心钻研陶轮技法。
森冈先生认为，在陶轮上完成陶器制作时，速度至关重要。
“你必须在黏土还‘有弹性’的时候进行研磨。如果不趁黏土还富有弹性时进行塑形，随着时间的推移，它会失去强度，你就无法激发它内在的力量。在黏土仍然富有弹性时进行塑形的黏土，即使经过烧制也能保持强度。”
为了达到预期的效果，需要不断地打磨，并且一气呵成。
森冈的作品之所以拥有“内在力量”，在于她运用高超的技艺，迅速而果断地将陶土塑造成预想中的形状。例如，一件名为《透明云》的作品，高约30厘米，仅需在陶轮上操作15分钟即可完成。
与器身相比，顶部的开口出乎意料地小。然而，这个开口却营造出一种令人愉悦的解脱感，仿佛积蓄已久的紧张感得以释放。这种紧张与释放的精妙结合，正是森冈作品的标志性特征之一。
两幅作品的标题均为“透明云（鹤颈）”。右图：直径 9.5 厘米，高 27 厘米。左图：直径 8.5 厘米，高 22 厘米。
陶轮的张力与瓷器质地和色彩的柔和。
这些瓷器在高温下烧制，不施釉，表面经打磨抛光。由于未使用釉料，触感柔和细腻。哑光白釉更赋予其一种无可否认的温柔气质。除了花瓶等独一无二的瓷器，森冈也创作茶具、茶壶、茶杯等日常用品，这些作品同样广受欢迎。拉坯成型的张力与瓷器表面和色调的柔和质感——或许正是这两方面相辅相成，成就了它们的人气。
两件作品均名为“陶罐”。右图：直径 9 厘米，高 9.5 厘米。左图：直径 8 厘米，高 8.5 厘米。
一团淡淡的墨色云雾在空中飘荡。
虽然哑光白是森冈作品的主要主题，但他也创作了一些作品，其中浅墨色的云朵微妙地渗入到白色的世界中。
“严格来说，这是一种叫做‘碳化烧制’的方法。将作品放入一个叫做‘鞘’的圆柱形耐热容器中，加入稻壳进行烧制。浅色墨迹的浓淡以及在作品上的分布位置会根据烧制温度和稻壳的多少而变化。我已经基本掌握了这种方法，但有趣的是，在将作品从鞘中取出之前，我无法确切地知道最终效果会是什么样子。”
陶工的骄傲
这幅风景画如同淡水墨画，随着光线照射角度的变化而呈现出不同的阴影，它就像一件薄薄的衣裳，轻轻地遮盖着容器所拥有的“内在力量”。
“现在，我在拉坯时很注重保持紧张和专注，但随着年龄增长，我可能会尝试更放松的拉坯方式。我想，放松的拉坯方式本身也会很有挑战性。”
从森冈的话语中，人们可以感受到他作为一名陶艺家的自豪感，这种自豪感源于他花费了无数时间转动陶轮和与粘土打交道。
玻璃上绘制的精致野花——中野美纪子作品——
娇嫩的花朵盛开，叶片晶莹剔透，甚至可以看到叶脉——秋天的草地让人想起琳派绘画。
中野美纪子的玻璃器皿上饰有日本山川田野中常见的植物图案。线条极其纤细，而清新明快的色彩却能瞬间吸引眼球。
“我最初学习的是油画，后来在意大利一所专门学校学习铜版画时，开始帮忙制作彩色玻璃。那是我第一次接触玻璃。意大利彩色玻璃不仅仅是把玻璃片拼在一起，它还包含大量的绘画，比如宗教图像和水果图案，所以我在那里学习了玻璃彩绘。与此同时，我对玻璃本身也产生了兴趣，于是报名参加了一所玻璃学校学习玻璃吹制，在那里我发现了为人们的日常生活制作餐具的乐趣。”
玻璃是在绘画完成后吹制的。
从绘画到铜版画，再到彩色玻璃和玻璃彩绘，最终到吹制玻璃——中野的艺术历程浓缩于她的作品之中。但这并非她作品背后的全部。事实上，中野的祖母和母亲都是茶道大师，而中野本人自幼便熟悉茶道的世界。她作品中蕴含的“日本性”深受这些经历的影响。
用于装饰的颜料是一种耐火珐琅，能够承受近1000摄氏度的高温。显然，玻璃彩绘技术在日本并非全新，但先驱者寥寥无几。中野先生说：“这是一个不断尝试和纠错的过程。”
中野通过不断的尝试和摸索，逐渐形成了自己独特的技法。仔细观察他笔下的植物，便能发现这一点。纤细的茎干和娇嫩的叶片线条略微弯曲，仿佛微微鼓起。这种弯曲和鼓起的效果，是在绘画完成后，通过吹制玻璃工艺实现的。
当你对着花草吹气时，它们就会开始摇曳和膨胀。
“我喜欢绘画和吹制玻璃，但绘画肯定更费时间。有时候，我花了很多时间画的玻璃作品会因为吹制过程中的失误而破碎。这种情况发生时，我非常难过。我先将玻璃塑形到鸡蛋大小左右，然后上色，再吹制一次，这会导致玻璃膨胀，最终呈现出与我预想不同的形状。这就是它的魅力所在。”
从右至左：矢车菊玻璃杯，直径7厘米，高5.3厘米；紫藤玻璃杯，直径5.5厘米，高5.5厘米；鱼腥草玻璃杯，直径7厘米，高5.5厘米。
这些名为“玻璃杯”的作品采用双层结构：内层为透明玻璃，外层为乳白色玻璃。乳白色玻璃上饰有雕刻线条，因此即使是同一种植物，内外看起来也略有不同。这正是它们的魅力所在。
一种轻盈、细腻的变形，让人联想起织部茶碗。
想象一下用这只碗冲泡抹茶的场景。这就是你用“山绣球”玻璃碗想要描绘的画面。抹茶的翠绿倒映在透明的玻璃碗中，山绣球花点缀其间，构成一幅美丽的画面。这只碗并非完美圆形，碗沿（称为“口造”）略微变形，这种变形与织部烧茶碗的变形工艺颇为相似。
在西方学习期间，人们往往偏爱统一有序的美，而中野的作品中，植物和花卉有时摇曳生姿，有时又略显扭曲。毫无疑问，日本珍视的审美意识贯穿其中。
玻璃碗“山绣球” 直径 11 x 高 6.8 厘米
除了我们采访的三位艺术家之外，以下两位艺术家也将在本次展览中展出他们的作品。
渡边优子、滨野真由美
渡边裕子，《花之暴雪》，直径20.5厘米 x 高18厘米
渡边裕子，右：花云，13厘米（高）x 19.5厘米（宽）x 3厘米（深）；左：花形带盖容器，7.5厘米（直径）x 9.5厘米（高）。
滨野真由美，青花瓷花纹水罐，直径12.5厘米，高16.5厘米
滨野真由美，红色彩绘圆形葫芦形盘子，一套五个，13厘米（长）x 13厘米（宽）x 2.2厘米（高）
◆艺术探索日记～展览信息
玻璃与陶瓷：五人联展——寂静中的游戏
日期：2026年7月2日星期四 - 2026年7月12日星期日
时间：11:00 – 19:00 至最后一天 17:00
- 地点：Seiko House 6楼Seiko House大厅
采访及撰稿：樱井正雄
曾任《风神画报》杂志副主编，负责报道和撰写有关日本文化各个方面的文章，包括陶器、漆器等传统工艺，以及茶道和歌舞伎等。目前，她是一名自由编辑，参与书籍、杂志和广告的制作。她主要为《Premium Japan》撰写有关传统工艺和旅游的文章。
照片由名和真纪子拍摄
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