「玻璃與陶瓷：五人聯展——靜謐遊戲」正在精工大廈六樓的精工大廈大廳舉行。 「靜謐」意味著靜止。令人愛不釋手的可愛器皿，散發著莊重而又略帶張力的器皿，在微縮世界中瀰漫的神秘色彩……五位藝術家的作品看似靜謐，卻蘊含著精湛技藝支撐的優雅之美。
透過玻璃立方體，一幅夢幻般卻又帶著一絲懷舊氣息的景象徐徐展開。 ——松村純——
我垂下目光，側目望去。眼前出現了一些東西。也許是遠處連綿的山脈，也許是夜空中懸掛的明月，也許是黎明前的天空，有時也只是淡淡的色彩層疊。這是一幅夢幻般卻又似曾相識的景象，喚起我心中的懷舊和嚮往。
「單一風景。」松村純的所有作品都以這個共同的標題為名，每幅作品也被賦予一個能夠喚起人們對所描繪風景的聯想的獨特名稱，例如「黎明之前」或「晨霧中的殘月」。
薄玻璃片被塗上顏色，然後將幾片玻璃片黏在一起。
松村的作品運用了一種通常被稱為「夾層玻璃」的技術，即將多層玻璃（與窗戶所使用的玻璃相同）黏合在一起。每層玻璃的厚度在2毫米到10毫米之間。透過用色鉛筆為每層玻璃著色，然後用膠水將幾層玻璃黏合在一起，便呈現出充滿懷舊和神秘感的畫面。雖然玻璃疊層技術由來已久，但用色鉛筆為每層玻璃著色卻是松村獨創的方法。
《夜風吹拂下的單幅風景》 3.3 x 17 x 10 公分（高）
「起初，我反覆嘗試，才弄明白該用什麼顏色，以及如何將它們分層疊加以創造出特定的景觀。現在我開始掌握訣竅了，但微調仍然很困難，因為在著色之前，用鑽石輪在每塊玻璃表面製造出的不均勻程度，以及粘合前後色調和透明度的細微變化，都極具挑戰性。」
“我喜歡天空變幻莫測的色彩，我想在我的藝術作品中捕捉到這種色彩。”
這些作品主要描繪黎明和清晨的場景，色彩以藍色為主，包括靛藍、藍和淺藍。
「我經常在清晨早起創作。我喜歡看著漆黑的夜空逐漸亮起，從深藍變為靛藍，再變為藍色，然後日出的橙色和深紅色開始交織。我想在我的作品中捕捉到這種不斷變化的色彩。此外，我對過去見過的美麗風景記憶猶新。我想透過我的藝術重現那些美麗的景色。」
每一塊都很小，最小的是一個邊長約3.5公分的立方體。在這小小的空間裡，展開了一幅幅充滿神秘感與透視感的風景。更令人稱奇的是，在那神秘的深處，無數的故事緩緩流淌。或許，它們是夢中那些令人懷念的風景。
由右至左：《一景－微風拂面》、《一景－黎明之前》、《一景－波光粼粼的水面》、《一景－晨霧中的殘月》。這四幅作品尺寸均為 3.5 x 3.5 x 3.5 公分。
「思考要畫什麼樣的風景既有趣又具有挑戰性。調整彩色鉛筆線條的粗細也很困難。我的作品往往以藍色調為主，但未來我也想嘗試使用更明亮的顏色，比如粉紅色和黃色。”
那些重疊的“花瓣”，將永遠留在我們心中
「Hitohira」一詞指的是細小、輕薄、扁平的事物，例如花瓣或葉片。它也蘊含著事物若隱若現、逐漸消失的意味。松村的作品，以層層薄玻璃構成，的確是由無數的「hitohira」組成。然而，它們所喚起的風景將永遠留在我們心中。
她作品中散發出的「內在力量」——森岡清子——
“這是一種來自內部的力量。”
這是森岡清子被問及陶藝創作中最重要的面向時所說的話。什麼是內在力量…？
“或許是藝術作品本身的形式所散發出的力量和張力。無論作品尺寸大小，其形式都蘊含著一種緊繃的張力感。”
森岡的作品是透過巧妙操控旋轉的陶輪創作而成。他出生於金澤，年幼時便前往丹麥國立美術學院學習。在那裡，他接觸到了陶藝，回國後便在當地窯廠當陶工，潛心鑽研陶輪技法。
森岡先生認為，在陶輪上完成陶器製作時，速度至關重要。
「你必須在黏土還『有彈性』的時候進行研磨。如果不趁黏土還富有彈性時進行塑形，隨著時間的推移，它會失去強度，你就無法激發它內在的力量。在黏土仍然富有彈性時進行塑形的黏土，即使經過燒製也能保持強度。”
為了達到預期的效果，需要不斷地打磨，並且一氣呵成。
森岡的作品之所以擁有“內在力量”，在於她運用高超的技藝，迅速而果斷地將陶土塑造成預想中的形狀。例如，一件名為《透明雲》的作品，高約30厘米，僅需在陶輪上操作15分鐘即可完成。
與器身相比，頂部的開口出乎意料地小。然而，這個開口卻營造出一種令人愉悅的解脫感，彷彿積蓄已久的緊張感得以釋放。這種緊張與釋放的精妙結合，正是森岡作品的標誌性特徵之一。
兩幅作品的標題均為「透明雲（鶴頸）」。右圖：直徑 9.5 厘米，高 27 厘米。左圖：直徑 8.5 厘米，高 22 厘米。
陶輪的張力與瓷器質地和色彩的柔和。
這些瓷器在高溫下燒製，不施釉，表面經過打磨拋光。由於未使用釉料，觸感柔和細膩。霧面白釉更賦予其一種無可否認的溫柔氣質。除了花瓶等獨一無二的瓷器，森岡也創作茶具、茶壺、茶杯等日常用品，這些作品也同樣廣受歡迎。拉坯成型的張力與瓷器表面和色調的柔和質感——或許正是這兩方面相輔相成，成就了它們的人氣。
兩件作品均名為「陶罐」。右圖：直徑 9 厘米，高 9.5 厘米。左圖：直徑 8 厘米，高 8.5 厘米。
一團淡淡的墨色雲霧在空中飄蕩。
雖然霧面白是森岡作品的主要主題，但他也創作了一些作品，其中淺墨色的雲朵微妙地滲入白色的世界。
「嚴格來說，這是一種叫做『碳化燒製』的方法。將作品放入一個叫做『鞘』的圓柱形耐熱容器中，加入稻殼進行燒製。淺色墨蹟的濃淡以及在作品上的分佈位置會根據燒製溫度和稻殼的多少而變化。我已經基本掌握了這種方法，但確實有趣的是，在將作品從鞘中取出之前，我無法知道最終會是什麼樣子。
陶工的驕傲
這幅風景畫如同淡水墨畫，隨著光線照射角度的變化而呈現出不同的陰影，它就像一件薄薄的衣裳，輕輕地遮蓋著容器所擁有的「內在力量」。
“現在，我在拉坯時很注重保持緊張和專注，但隨著年齡增長，我可能會嘗試更放鬆的拉坯方式。我想，放鬆的拉坯方式本身也會很有挑戰性。”
從森岡的話語中，人們可以感受到他作為一名陶藝家的自豪感，這種自豪感源於他花了無數時間轉動陶輪和與黏土打交道。
玻璃上繪製的精緻野花——中野美紀子作品——
嬌嫩的花朵盛開，葉片晶瑩剔透，甚至可以看到葉脈——秋天的草地讓人想起琳派繪畫。
中野美紀子的玻璃器皿上飾有日本山川田野中常見的植物圖案。線條極為纖細，而清新明快的色彩卻能瞬間吸引目光。
「我最初學習的是油畫，後來在意大利一所專門學校學習銅版畫時，開始幫忙製作彩色玻璃。那是我第一次接觸玻璃。意大利彩色玻璃不僅僅是把玻璃片拼在一起，它還包含大量的繪畫，比如宗教圖像和水果圖案，所以我在那裡學習了玻璃彩繪。
玻璃是在繪畫完成後吹製的。
從繪畫到銅版畫，再到彩色玻璃和玻璃彩繪，最終到吹製玻璃——中野的藝術歷程濃縮於她的作品中。但這並非她作品背後的全部。事實上，中野的祖母和母親都是茶道大師，中野本人自幼便熟悉茶道的世界。她作品中蘊含的「日本性」深受這些經驗的影響。
用於裝飾的顏料是一種耐火琺瑯，能夠承受近1000攝氏度的高溫。顯然，玻璃彩繪技術在日本並非全新，但先驅者寥寥無幾。中野先生說：“這是一個不斷嘗試和糾錯的過程。”
中野透過不斷的嘗試和摸索，逐漸形成了自己獨特的技巧。仔細觀察他筆下的植物，便能發現這一點。纖細的莖幹和嬌嫩的葉片線條略微彎曲，彷彿微微鼓起。這種彎曲和鼓起的效果，是在繪畫完成後，透過吹製玻璃工藝實現的。
當你對著花草吹氣時，它們就會開始搖曳和膨脹。
「我喜歡繪畫和吹製玻璃，但繪畫肯定更費時。有時候，我花了很多時間畫的玻璃作品會因為吹製過程中的失誤而破碎。這種情況發生時，我非常難過。我先將玻璃塑形到雞蛋大小左右，然後上色，再吹製一次，這會導致玻璃膨脹，最終呈現出與我預想不同的形狀。」這就是它的形狀。」
由右至左：矢車菊玻璃杯，直徑7厘米，高5.3公分；紫藤玻璃杯，直徑5.5厘米，高5.5公分；魚腥草玻璃杯，直徑7厘米，高5.5公分。
這些名為「玻璃杯」的作品採用雙層結構：內層為透明玻璃，外層為乳白色玻璃。乳白色玻璃上飾有雕刻線條，因此即使是同一種植物，內外看起來也略有不同。這正是它們的魅力所在。
一種輕盈、細膩的變形，讓人聯想到織部茶碗。
想像一下用這碗沖泡抹茶的場景。這就是你用「山繡球」玻璃碗想要描繪的畫面。抹茶的翠綠倒映在透明的玻璃碗中，山繡球花點綴其間，構成一幅美麗的畫面。這只碗並非完美圓形，碗沿著（稱為「口造」）略微變形，這種變形與織部燒茶碗的變形工藝相當相似。
在西方學習期間，人們往往偏愛統一有序的美，而中野的作品中，植物和花卉有時搖曳生姿，有時又略顯扭曲。毫無疑問，日本珍視的美學意識貫穿其中。
玻璃碗「山繡球」 直徑 11 x 高 6.8 厘米
除了我們採訪的三位藝術家之外，以下兩位藝術家也將在本次展覽中展出他們的作品。
渡邊優子、濱野真由美
渡邊裕子，《花之暴雪》，直徑20.5厘米，高18厘米
渡邊裕子，右：花雲，13公分（高）x 19.5公分（寬）x 3公分（深）；左：花形帶蓋容器，7.5公分（直徑）x 9.5公分（高）。
濱野真由美，青花瓷花水罐，直徑12.5厘米，高16.5厘米
濱野真由美，紅色彩繪圓形葫蘆形盤子，一套五個，13厘米（長）x 13厘米（寬）x 2.2厘米（高）
◆藝術探索日記～展覽信息
玻璃與陶瓷：五人聯展－寂靜中的遊戲
日期：2026年7月2日星期四 - 2026年7月12日星期日
時間：11:00 – 19:00 至最後一天 17:00
- 地點：Seiko House 6樓Seiko House大廳
專訪及撰稿：櫻井正雄
曾任《風神畫報》雜誌副主編，負責報導和撰寫有關日本文化各個方面的文章，包括陶器、漆器等傳統工藝，以及茶道和歌舞伎等。目前，她是一名自由編輯，參與書籍、雜誌和廣告的製作。她主要為《Premium Japan》撰寫有關傳統工藝和旅遊的文章。
照片由名和真紀子拍攝
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藝術探索日記－展覽感想...
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